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11 » Sigurd Rompza aus Saarbrücken, Germany
sigurd rompza
sommer 2008


für eine rezeptionsorientierte kunst

neben der verbalsprache ist die bildsprache eine form der kommunikation. künstler malen bilder, fertigen plastiken, skulpturen oder bedienen sich der neuen medien in der regel, um betrachtern etwas mitzuteilen. hinsichtlich einer abbildenden kunst mag dies selbstverständlich sein, es gilt aber ebenso für die nicht abbildende kunst, die konkrete kunst. wenn zum beispiel der künstler rupprecht geiger die farbe zum thema seiner künstlerischen arbeit gewählt hat, bedeutet das, daß er dem rezipienten ergebnisse seiner „farbforschung“ auf sinnlich anschaulichem weg mittels seiner bilder vorstellt. der betrachter kann als interpret diesen bildern sinn verleihen.
hatte der künstler als produzent schon immer den rezipienten im blick und somit die sinnerzeugung, so besteht gegenwärtig sowohl in der gegenständlichen kunst als auch in der konkreten kunst die tendenz, der rezipientenperspektive wenig aufmerksamkeit oder überhaupt keine aufmerksamkeit mehr zu schenken. festzustellen ist ein ‚autistisches’ künstlerverhalten. hieraus folgt, daß der rezipient weitgehend hilflos bildern gegenübersteht, weil diese hermetisch sind. auf dem kunstmarkt wirkt sich das nicht negativ aus, werden doch kunstwerke von künstlern, die gegenwärtig ein solches konzept verfolgen, erfolgreich gehandelt. es scheint so, als bestimme oft der markt die künstlerischen konzepte und als verführe er auch noch künstler dazu, marktkonforme künstlerische konzepte nachzuahmen. weitere gründe für dieses ’autistische’ verhalten von künstlern – das zeigt schon die ausbildung an den akademien - sind heute ein mangel an kenntnis in kunstgeschichte – insbesondere der klassischen moderne und der gegenwartskunst -, in kunsttheorie und künstlertheorien. hinzu gesellt sich oft wenig ernsthaftigkeit der künstlerischen arbeit. so zum beispiel, wenn der autor ein arbeiten an der farbe vorgibt, dieses jedoch schnell als scheinproblem entlarvt werden kann. erwähnenswert ist in diesem zusammenhang auch das heute weit verbreitete epigonentum (1), das von der seite der rezipienten wenig korrektur erfährt, nicht von den galeristen, noch von den museumsleitern und auch nicht von den privatsammlern. (2) als ‚appropriation art’ konzeptuell gestützt erfährt imitation eine besondere legitimation. u.a. werden künstler kopiert, z. b. günter fruhtrunk und robert indiana. da nicht bildimmanente faktoren wie autorschaft, originalität, signatur, marktwert dieses konzept bestimmen, ist unschwer zu erkennen, daß der rezipient in seiner besonderen rolle, nämlich der des sinnlich handelnden, nicht ernsthaft gefordert wird.
wenn der künstler sein tun als ein „forschen“ im sinnlichen bereich versteht, ist kunst ein erkenntnisstiftendes unternehmen. in einer rezeptionsorientierten kunst wird der stellung des rezipienten schon bei der erabeitung der künstlerischen konzeption eine bedeutung zugemessen. hinsichtlich der interpretation der kunstwerke ist eine rezeptionsorientierte kunst nicht auf ein-deutigkeit sondern auf mehr-deutigkeit angelegt. sie fordert jedoch nicht notwendig das „offene kunstwerk“ (3). rezeptionsorientierte kunst ermöglicht aber und sie thematisiert durch besondere bildnerische entscheidungen des künstlers die subjektiven anteile der interpretation.


anmerkungen:
1) gemeint ist hier nicht, daß junge künstler mehr oder weniger stark vorbilder nachahmen, um zu lernen und von denen sie sich dann auch wieder abwenden
2) vgl. karlheinz schmid, schämt euch, künstler!, in: kunstzeitung 142, juni 2008, s. 17
3) vgl. umberto eco, das offene kunstwerk, frankfurt 1977

12 » Jerry Zeniuk aus München, Germany/ New York, USA
A Lecture on September 26th 2006
By Professor Jerry Zeniuk
Central Academy of Fine Art
Beijing, P. R. China


Color is the quickest way to the heart

I would rather paint than talk about painting. But over the years I havefound myself explaining a lot of painting ideas in words.
At first as a student I was attracted to a lot of art that I did not understand, especially Cezanne and Mondrian. And slowly, after looking again and again at their work, I came to understand it. This process, first being attracted to it and then trying to understand the mystery of the attraction
and finally understanding the fundamental structure behind the mystery of the work brought aesthetic fulfillment that filled my soul.
This process never ends and is primary to my creative process. At first as a student I studied naturalism (realism) and after two years changed to abstraction. Why I don’t know, I was fascinated with color, but I didn’t know anything about it. I was not born a colorist. I imitated art that I admired. This gave me a vehicle for learning the basic rules of color that then allowed me to create visual images with color as the primary
structural element.
When I paint I don’t think. I am completely intuitive. The thinking comes after I am finished and only if I surprise myself by doing something new.
I think of painting as a metaphor, for my own condition, I am a physical body, and I am a thinking spiritual mind, they are dependent on one another. A painting is first an object and second an image. The physicality of the painting is crucial for the final image. They are interdependent.
A painting is a static image that is created in real time. When we look at a painting, we see everything at the first glance and only with time do we understand what we see. The difference in these two durations of time is interesting. We see first the surface of the painting and then the image.
But because of our education, we no longer look at the surface and go directly to the image.
Abstraction asks the viewer to look at the surface, freeing us to discover new images. We as viewers participate in a transformation. In that we
choose to look though the picture plane and perceive the image. This is a very willing conceptual process. Through the brush stroke, and compositions of color, we find a connection between the materiality of the surface and the image that is formed in the viewer’s mind. If the
composition observes nature’s basic principles, the resulting image will have a sense of space that pictorial light will occupy. This gives the painting the qualities that make it art and not decoration.
These fundamental formalist observations about painting are necessary at this time. These last decades for painting have been self analytical, since the function of painting as art is changing; as is the function of art in our
society is also changing. Art has become fashionable. Art has become more accessible. Painting is too often storytelling. One does not have to learn how to look at a painting or work of art. And everyone is an equal judge of quality. There is no common criterion for judging quality in art.
There are instead only a multiplicity of positions and attitudes toward art.
Abstract paintings or nonreferential
images allow for expressions of pure visual elements. It is free but not without requiring structure and meaning.
Color and its organization can be anything. But color in itself is not the aim. The aim is to organize the color so that there is a very specific visual experience.
This is accomplished by observing the fundamental principles of color.
These principles are the same for realism as well as abstraction. Just as we expect to see an image inside the picture plane of a realist painting, so should it be for abstraction. But without any reference to nature, all that
we see in abstraction are arrangement of colors. Only if this arrangement creates a sense of space in a profound way, does it distinguish itself from the flatness of the wall.
It is essential however that in the composition there is a connection
between the picture plane (surface) and the implied spatial experience.
Mondrian is an ideal example of this, the surface tension gives the work timeliness and the visual depth gives it timelessness. One should look at Mondrian and not his followers, and of course the actual paintings, not reproductions. This for me is the cruxcentre
of all painting. It is true for
Velazques and Cezanne. These are excellent examples of this long
tradition.
My contribution is difficult and not necessary to evaluate, but without
those others my work would look different. This is a Formalist way of thinking of art. Formalism is a methodology that considers the visual structure underlying an image and even analyzing what an image is. It is rational, but tries to anticipate emotions and irrationality. Cezanne was
rational and emotional, as was Mondrian. This method allows one to use emotion without being a victim of it. Color is very emotional but it needs
to be ordered, otherwise it is romantic, sentimental and worse decorative.
But when ordered it can touch our very best emotions. This sounds
moralistic and to some degree it is. Harmony and tranquility are better emotions than selfishness and jealousy.
My paintings have evolved for more than 30 years. My earlier work was less clear, less original, less selfaware and less free. By understanding myself and how I work and think, the work now reveals something about
growing older. I hope my work cannot be explained.
What I would finally hope to achieve in my work is that the viewer feels a sense of presence. That he or she is standing before this work and feels the moment, the physical moment and all the feelings that come with that.
This is an aesthetic moment when existence and meanings come into
question. This moment steps away from hierarchy and becomes eternal, for a moment.

13 » Yürgen Oster aus Mainz, Germany
the connectiion
between
a point in your imagination
and
a point in my imagination

14 » BERGNER+JOB Galerie aus Mainz, Germany
It's done ...


... after some good work we finally realized our own BOARD on the BERGNER+JOB Galerie home-page.
We hope it will become more and more a platform for discussion around the issues of CONCRETE ART we represent in our gallery.
We believe, this will be a chance for an exchange of thoughts and discussion across national boundaries all over the world.


Your statements are very welcome!

15 » Heiner Thiel aus Wiesbaden, Germany
Well, it seems that I have the honor to start this new feature on the gallery website...
I sure hope it will be used frequently and serve us as a platform for discussion as well as for swift exchange of thoughts and information.
I wish Evelyn and Alf all the best for a vivid and informative devolution of this new page.
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